🏛️ #9. 신이 세상을 보고 있다면 이런 시선일까.

2022. 4. 21.

2022. 04. 22(금)

Andreas Gursky, <Chicago Board of Trade III>, 2009(via Andreas Gursky)

⟪Andreas Gursky⟫ / 아모레퍼시픽미술관

- 신이 세상을 보고 있다면 이런 시선일까 -

1. 안드레아스 거스키는 1955년생 독일 태생의 사진작가다. 뒤셀도르프 쿤스트 아카데미에서 베른트와 힐라 베허 부부로부터 유형학적 사진*을 공부했다. 1993년 세계적인 작가로 알려지면서 2001년에는 뉴욕 현대미술관(MoMA)에서 개인전을 개최하고 현대 사진의 새로운 역사를 썼다는 평가를 받는다.

2. 거스키는 공장이나 아파트와 같이 현대 문명을 상징적으로 보여주는 장소를 사진의 주제로 삼고 그 안에 있는 개인의 존재를 거대한 사회와 대비시켜 보여준다.

3. 예를 들어 <평양>연작은 북한에서 규모가 가장 큰 행사인 아리랑 축제에서 진행된 매스 게임의 장면을 담은 작품이다. 작품을 멀리서 바라보면, 떠오르는 태양이나 아름다운 꽃문양에 시선을 빼앗기게 된다. 하지만 작품 가까이 다가가서 살펴보면, 거대한 꽃을 만들고 있는 개개인의 무용수의 모습을 찾아볼 수 있다. 개인을 억누르고 있는 강력한 사회주의 구조와 그 안에서 살아가고 있는 한 존재의 모습을 생각해볼 수 있다.

4. 인간을 둘러싸고 있는 사회 구조와 의미를 포착해, 이미지 조작(합성)을 통해 아주 작은 개별의 형상까지 세밀하게 표현하는 거스키의 작업은 현대 사회 그 자체를 담아내고 있다.

5. 아모레퍼시픽미술관에서는 안드레아스 거스키의 국내 첫 개인전 《Andreas Gursky》을 개최했다. 이번 전시에는 세계 최초로 선보이는 신작 2점을 포함한 그의 대표작 40여 점이 공개되었다.

6. 사진계에서 거스키는 회화 작가라고도 불린다. 이미지를 조작하면서 의미를 내포하고 있는 작품을 만드는 그의 방식 때문이기도 하지만, 그가 현대회화에 영향을 많이 받아서이기도 하다. 특히 20세기 중반 추상표현주의 작품의 영향을 많이 받았다. 사진이 가진 추상회화의 가능성을 열어 보인 것이다.

7. 예를 들어 <시카고 선물거래소 III>는 추상표현주의 작가로 유명한 잭슨 폴록의 ‘드리핑’ 기법을 바로 떠올릴 수 있다. 사람들이 입고 있는 각기 다른 유니폼 색상이 한 방울의 물감이 돼 화면을 채운다.

8. 사진 장르의 전시이지만, 전시장을 방문하면 사진에서 벗어난 회화적 감각과 사진의 매력을 함께 느껴볼 수 있다. 작가가 구현한 화면 속 구체적 대상의 완벽한 수평 구조와 격자무늬들은 고요함과 안정감을 주는 동시에 끝없는 무한함까지 떠올리게 한다.

9. 이러한 특징 때문에 거스키의 작품은 비극적이면서 동시에 숭고함마저 느끼게 해준다. 거대한 자연, 사회 속에서 살아가고 있는 아주 바쁜 개인을 만나볼 수 있기 때문이다.

10. 우리가 살아가고 있는 거대한 세상이 쉽게 인지되지 않지만, 그의 시각은 끊임없이 움직이고 있는 우리를 좇아 개인이 어떤 의미를 갖는지 생각하게 한다. 나아가 세계의 본질과 구성이 어떻게 연결돼 있는지도 상상하게끔 한다. 우주의 가장 작은 먼지이자, 가장 큰 우주를 갖고 있는 인간을 만나볼 수 있는 전시다.

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Bernd and Hilla Becher, <Water Towers>

📝 Curator’s Note

유형학적 사진은 단일한 주제를 최대한 균일하고 객관적으로 촬영해서 시리즈로 배열한 사진을 의미합니다. ‘유형'이라는 단어에서 알 수 있듯이 형태별 분류가 핵심인 사진장르입니다. 가구점에서 여러 가구를 모아놓은 카탈로그, 혹은 비슷한 이미지를 무미건조하게 나열해놓은 핀터레스트라고 생각하시면 됩니다. 그래서 사진에서 어떠한 서사, 감정을 느낄 수 없습니다. 마치 전쟁이 오랫동안 지속되어 더 이상 슬퍼할 수도, 분노할 수도 없을 정도로 감정이 전혀 남아있지 않을 때 폐허가 된 도시를 멍하니 바라보는 듯한 느낌을 받게 되죠. 그만큼 사진에 감정이 배제되어 있습니다. 대신 너무 무표정하고 고요해서 고독감, 공허함만 남아있을 뿐입니다.

안드레아스 거스키는 산업 건축물을 소재로 유형학적 사진 개념을 만든 베허 부부(베른트 베허와 힐라 베허)에게 사진을 배웠습니다. 베허 부부가 1970년에 급수탑, 발전소, 가스탱크 등을 소재로 유형학적 사진을 처음 발표했을 때 앞서 말씀드린대로 사진 자체에 서사도 없고 감정도 배제되어 있어 예술이 아니라는 비판을 받았었죠. 그러나 얼마 지나지 않아 개념미술이 유행하면서 개념미술의 시각으로 재평가 받으며 세계적인 장르로 유행하게 되었습니다. 개념미술의 시각에서는 예술이란 조형적인 예술성 보다 작가의 아이디어 그 자체에 있다고 보기 때문이죠.

거스키도 초반에는 스승인 베허 부부의 영향을 받긴 했지만 이후 흑백 대신 컬러를 사용하고 디지털 합성을 제작 방식으로 사용하는 등 다른 방향으로 나아간 작가입니다. 90년대에 이르러 그의 사진은 더욱 대형화되고 회화처럼 보이게 되었죠. 지극히 과학적이고 메마른 시선으로 작품을 완성했지만 그 내용은 추상회화처럼 여러 감정을 불러일으키는 작품(그래서 관객의 시선으로 완성된다고 할 수 있는)이 그의 대표적인 특징입니다. 형식의 측면에서는 그의 작품 속 공간은 스펙타클하고, 그 안에 배치된 인간 등의 요소들은 장식적으로 기능합니다.

지금 아모레퍼시픽미술관에서 하고 있는 전시는 사진이 주제이지만 그 어떤 회화 전시보다도 감상에 집중할 수 있는 전시라고 할 수 있습니다. 대개 사진은 회화보다 메시지가 분명하고 직설적인데 안드레아스 거스키의 작품은 하나의 회화작품처럼 보이니 여러 감정을 느끼실 수 있을겁니다.

반 고흐가 사랑한 아를에 이우환미술관 개관

1. 이우환(85) 화백의 이름을 건 이우환미술관이 4월 15일에 프랑스의 남부 도시 아를(Arles)에 문을 열었다. 아를은 빈센트 반 고흐가 1년간 머물며 <해바라기>, <밤의 카페 테라스> 등 200여 점의 작품을 남긴 도시다.

2. 아를의 이우환미술관은 일본, 한국에 이은 세 번째 이우환미술관이다. 이우환미술관은 2010년 일본 나오시마 섬에 가장 먼저 생겼다. 2015년에는 부산시립미술관 내 이우환 공간이 개관했다. 일본의 이우환미술관은 일본의 대표 건축가 안도 다다오가 설계했다. 아를의 이우환미술관이 들어선 곳은 16-18세기에 지어진 저택(Hotel de Vernon, 오텔 베르농)으로, 이 건물 보수에도 안도 다다오가 참여했다.

3. “많은 사람이 미술관을 전시를 위한 공간이라고 생각하지만 내 생각은 좀 다르다. 나는 이곳을 삶의 공간으로 만들고 싶었다.”(이우환)

4. “내 작업의 특징은 관점을 강요하는 게 아니라 만남을 제안하는 것”, “내 작업은 작가가 가운데 있지 않고, 한 걸음 뒤로 물러 서 있는 것을 목표로 한다. 나는 사람들이 내 작품 앞에서 마음과 정신을 집중해 자기 자신에게 귀 기울여보길 바란다”(이우환)

5. 아를 시는 2014년 이 화백의 베르사유궁 전시 전부터 이우환미술관 건립을 반기고 협조해왔다고 한다. 아를은 고대 로마 문화유적을 고스란히 간직해 ‘프랑스의 로마’로 불린다.

6. “이곳은 로마 제국 이래로 깊은 역사를 가지고 있다. 이 역사와 내 작품이 만나 서로 부딪히고 새로운 울림을 만들어내길 기대한다.”(이우환)

7. 이우환은 사물과 세계의 관계에 천착하며 일본 아방가르드 운동 ‘모노하’를 주도한 작가다. 모노하는 1960-70년대 콘크리트, 유리판, 강철 등 산업 재료와 돌과 나무를 결합한 작품을 선보인 미술 운동이다. 이우환은 선, 점 등 시각 표현의 기원을 탐구하는 작품을 통해 자연과 인간의 관계에 질문을 던져왔다.

8. 1973년쯤 시작한 그의 작품 <점으로부터>, <선으로부터> 연작은 점을 찍은 뒤 붓끝의 안료가 없어질 때까지 선을 긋는 작업을 반복해 탄생했다.

9. “이 화백 작품은 기본적으로는 동양적 사고와 감성에서 출발했지만, 이질적인 것들이 만나 서로 폭을 넓히고 깊이를 더해가는 관계에 관심이 지대하다.”(정준모 전 국립현대미술관 학예실장)

10. “아를은 아름다운 자연환경에 현대미술을 과감하게 수용하고 소개하고 있는 곳”, “아를의 이우환미술관은 한 개인의 미술관이 아니다. 한국 미술을 세계에 알리는 전초 기지로 봐야 한다”(이배 작가)

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7년 만에 성북동 간송미술관에서 전시 개최

간송미술관이 성북동에서 7년만에 다시 전시를 개최했습니다. 지난 4월 16일에 기존에 전시를 했던 보화각 전시실을 오랜만에 다시 볼 수 있게 되었습니다. 주제는 ⟪보화수보(寶華修補)-간송의 보물 다시 만나다⟫입니다. ‘보화’는 보배로운 정화, ‘수보'는 낡은 것을 고치고 부족한 곳을 기워 채움이라는 의미입니다. 간송만의 제목짓는 특징입니다. 작품 제목도 회화 작품에 써있는 제발의 첫 문장을 따서 마치 사자성어처럼 표기하곤 하죠. 저는 한글로 풀어쓴 제목을 더 좋아해서 별로 좋아하지는 않지만 이것도 하나의 전통이라고 여기고 있어요.

간송미술관이 DDP로 옮겨 전시를 하게 됐을 때 처음에는 챙겨서 보러가곤 했는데 얼마 안가 관심에서 멀어졌습니다. 간송만이 주는 매력을 느낄 수 없었고, 그 이유는 아마도 성북동 간송미술관이라는 상징적인 공간이 결여돼서 그랬던 것 같습니다. 그만큼 간송미술관은 성북동에서 봄과 가을에 한 번씩 하는 전시가 참 운치있고 좋았습니다.

그 중심에는 간송미술관 전시실인 보화각 앞뜰에 있는 울창한 정원과 여러 동물들이었죠(무려 공작도 있었어요!). 그곳에 가면 조선시대로 타임 루프한 것 같고 세상과 동떨어지는 느낌을 받을 수 있어 학부생 때부터 참 좋아했습니다. 1999년부터 매학기마다 간송미술관에 다녀와서 레포트를 쓰는 과제를 했으니 꽤 오래된 추억이네요. 전시를 보러 가는 날이면 친한 과사람들끼리 같이 전시를 보고 그 앞에 있는 칼국수나 보리밥집에서 동동주를 마시는 걸로 마무리를 하는 날이 무척 좋았습니다.

이제 그 추억을 다시 시작할 때가 왔구나 싶어서 모처럼 반가운 소식이었습니다. 그동안 안좋은 소식만 많아서 인생무상이라는 생각이 자주 들었거든요. 안좋은 소식을 접할 때마다 ‘간송이? 그 간송이??? 허.... 참...’ 이렇게 말이죠.

어쨌든 모처럼 반가운 소식에 언제 전시보러 갈까 생각하고 있던 차에 우연히 인스타그램에서 간송미술관을 다녀온 분의 사진을 보게 되었습니다. 처음엔 ‘여기가 어디여...’하며 알아보지 못할 정도로 많이 달라졌더군요. 그냥 좀 달라진 수준이 아니었습니다. 정원이 싹 다 밀려있었어요!!!!

그동안 간송미술관 건물 자체가 지닌 역사성과 명품의 환상적인 조화를 정원이라는 멋진 풍경이 감싸안으면서 간송미술관을 더욱 특별하게 만들어줬는데 이를 걷어내고 보니 그냥 휑한 느낌이 듭니다. 마치 재개발 들어가기 직전의 동네 풍경같은 느낌이 드네요. 사정이 있어 그리 했겠지만 앞으로도 운영이 잘 되려나 싶은 우려가 듭니다. 일단은 좋은 작품을 본다는 점에 위안을 삼는 수 밖에 없겠습니다.

옛 간송미술관

⟪진경시대 화원전⟫ 입장을 기다리던 2013년 10월의 어느 날

간송미술관 옛 정원

간송미술관의 현재

탑과 불상 주위에 가득했던 풀숲이 완전히 사라져있는 것을 볼 수 있습니다.

간송미술관 현재 모습 via @j_gwak

News

문화재에서 국가유산으로

1962년 문화재보호법을 제정한 이후 줄곧 사용해왔던 ‘문화재’라는 명칭이 ‘유산’으로 변경되었습니다. 문화재청이 작년에는 국보와 보물에 붙은 번호(문화재 지정번호)를 없애고, 올해는 오랫동안 지적받았던 문화재 명칭과 개념 변경을 드디어 마무리했네요. 두 일 모두 일제의 잔재를 우리의 역사성과 시의성을 고려한 청산의 성격이 포함되어 있습니다.

우선 문화재 지정번호는 일제강점기에 조선총독부가 ‘조선보물고적명승천연기념물보존령’을 제정하며 부여하기 시작한 번호인데 광복 이후에도 이를 그대로 계승한겁니다. 이후 지정되는 순서대로 매기게 되었죠. 그런데 아무래도 번호가 있다보니 은연 중에 앞선 번호일수록 가치가 높은 것 같은 느낌이 들 때가 많았습니다. 심지어 숭례문(남대문)과 흥인지문(동대문)이 각각 국보 1호, 보물 1호로 지정된건 일제의 침략야욕이 들어간 번호였다는 설도 있습니다. 임진왜란 당시에 왜군이 한양에 입성할 때 들어온 문들이거든요. 그들에겐 조선 정벌의 상징 기념물이었던 셈이죠.

‘문화재’라는 명칭의 경우는 일본의 문화재보호법 영향을 받은 것도 있지만 더 넓게 보자면 20세기 전반에 전세계에서 통용되던 관점의 결과이기도 합니다. 당시에는 문화재를 바라보는 관점의 너비가 지금보다 좁았기 때문입니다. 역사적, 미학적으로 가치있는 물건을 의미했습니다. 이렇게 물건의 범주에서 바라보니 자연스레 소유자와 고가라는 개념이 생기게 되었고 이를 일본에서 번역한 결과, ‘재물 재(財)’ 글자를 넣어서 ‘문화재(文化財)’라는 단어가 된겁니다.

이후에도 계속 문화재라고 부르다보니 아귀가 들어맞지 않는 상황과 논란도 종종 생겼습니다. 문화재는 사적 재산이다는 점과 공공성을 바탕으로 보존하여 후세에 잘 전달해야만 하는 의무가 동시에 포함되기 때문입니다. 예를 들어 국보의 소장자가 개인일 경우 훈민정음 해례본 상주본의 사례처럼 개인의 사유재산인 점을 앞세우면 재판까지 가야 했던 것처럼 말이죠. 물론 국보와 보물같은 지정문화재는 소장자가 소유하되 국가가 상시 체크하고 관리하는 것을 의무화시키긴 했지만 전적으로 개인 소장자의 선의에 기대야 하는 경우가 많습니다.

또한 지금은 문화재를 바라보는 관점도 넓어져서 단순한 명품을 넘어 인류를 위해 보호되어야 할 보편적 가치를 지닌 모든 것을 아우르는 개념으로 바뀌었습니다. 여기에는 자연, 유적, 장소 그리고 무형의 자산까지 포함되죠. ‘재물 재(財)’를 쓰기가 애매해진 시대가 온겁니다. 소유물의 개념을 넘어 ‘유산(Heritage)’이라는 용어를 사용하며 파괴를 방지하고 보호 활동을 주도하고 있는 유네스코 세계유산위원회의 기준에 발맞춰 갈 필요도 있고요.

영화 <킹스맨>에서 나온 “매너가 사람을 만든다”는 말처럼 적확한 용어 사용과 말습관이 올바른 인식의 첫 출발이라고 생각합니다. 문화재라는 말을 사용해서 논란의 변수가 계속 생기게 하기 보다는 앞 세대가 남겨놓은 사물 또는 문화라는 의미인 ‘유산(Heritage)’으로 변경되었다는 소식이 무척 반가웠습니다. 친구가 이름을 바꾸면 의식해서 바꾼 이름을 계속 불러줘야 복 받는다고 하는데 앞으로는 어색하지만 ‘문화유산’이라고 부르도록 노력해야겠습니다.

Feel Good Friday

저는 영화 취향을 잘 밝히지 않습니다. 취향의 우열은 없다지만 좀 쑥스럽거든요. ㅎㅎ 그래도 오늘 꼭 소개하고 싶은 OST가 있어서 밝힐 수밖에 없겠습니다. 제가 가장 좋아하는 영화 Top 10은 다음과 같습니다.

1. 봄날은 간다

2. 다크나이트 시리즈

3. 제이슨 본 시리즈

4. 어벤져스 시리즈

5. 아저씨

6. 쉬리

7. 글레디에이터

8. 스파이 게임

9. 쎄븐

10. 이제 생각 안남

제가 왜 민망해하는지 아시겠죠? 그렇습니다. 저는 슈퍼 히어로물, 첩보물만 좋아합니다. 하하하하 ㅠ

<봄날은 간다>가 저기에 껴있는게 어색할 정도죠. 드라마는 <하얀거탑>, <비밀의 숲>이 전부입니다. 어떤 영화나 드라마가 재밌다고 해서 어디 함 봐볼까 하다가도 조금이라도 달달하거나, 주인공들이 막 울고 그러면 이상하게 거기에서 딱 멈추게 되더라고요.

그런데 좋아하는 영화들을 보면 공통점이 있는데 바로 OST가 무척 좋다는 점입니다. 다크나이트 OST를 들으며 밤에 운전하면 어느덧 서울은 고담시로 바뀌어있는 것 같고, 글레디에이터 OST를 들으면 로마시대에 와있는 것 같고, 스파이 게임이나 제이슨 본 OST를 들으면 중동 분쟁지역에 와있는 것 같을 정도죠. ㅎㅎ

며칠 전에 <토르 4 : 러브 앤 썬더> 티저 예고편이 공개되었습니다. 아이언맨 다음으로 토르를 가장 좋아해서 기다리고 있었는데 이번에도 팝 명곡을 주제곡으로 사용했더라구요. <토르 3 : 라그나로크>에서는 북유럽 신화 속 신인 토르의 영화답게 중세시대 바이킹이 잉글랜드를 침공한다는 내용에서 모티브를 가져온 레드 제플린의 <Immigrant Song>을 주제곡으로 사용했습니다.

이번에 공개된 <토르 4 : 러브 앤썬더>는 무려 건즈 앤 로지스의 <Sweet Child O' Mine>을 썼네요. 토르라는 캐릭터의 엉뚱, 발랄, 순수함이 바로 느껴질 정도로 신나는 곡입니다. 국내외 마블팬들 사이에서도 선곡에 호평이 자자합니다. 영화 영상을 보면서 들어야 더 신날 것 같아서 예고편 영상으로 링크 넣어뒀습니다. 이 팝송들을 들으며 금요일을 유쾌하게 잘 마무리하시면 좋겠습니다.

이번 주도 고생 많으셨습니다.

주말 편히 쉬시고요.

감사합니다.

이장훈 드림